MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
La pintura
mural es, probablemente, el tipo de pintura más antigua. Se realiza sobre los
muros o las paredes. Su principal objetivo es decorarlos; pero, en ocasiones,
su fin también es enseñar y educar. Un ejemplo es la representación de escenas
religiosas durante la edad media. Como muy poca gente sabía leer, esta era una
forma de transmitir las enseñanzas.
Existen
varias técnicas o formas de hacer una pintura mural. La más antigua es la del
temple, pues ya se usaba en el antiguo Egipto, Babilonia y Creta. Consiste en
disolver los colores (llamados pigmentos) en agua y mezclarlos con un
aglutinante (un líquido espeso para mezclar), como, por ejemplo, la yema de
huevo.
Una vez
mezclado el pigmento con el agua y el aglutinante, se prepara el muro sobre el
que se va a pintar. Debe pulirse hasta que quede completamente liso. Después se
aplican varias capas de yeso, e inmediatamente, se realiza el dibujo. Como el
yeso húmedo es muy absorbente, los colores se impregnan rápidamente en el muro;
pero el inconveniente es que los pintores deben trabajar muy deprisa, antes de
que la superficie se seque por completo. Esta fue la razón por la que, a partir
del renacimiento, el temple fue sustituido por otra técnica: la pintura al
óleo.
Con la
técnica al óleo es mucho más fácil trabajar. El pigmento se disuelve en aceite,
que seca mucho más lentamente. Así, el pintor tiene más tiempo para hacer las
correcciones que desee, y además, puede aplicar diferentes capas de pintura.
Pero la
técnica más importante y más usada es el fresco. El primer paso es distinguir
entre el buen fresco y el fresco seco, según se conocían en Italia durante el
renacimiento. En ambas técnicas se utiliza el yeso; pero en la del fresco seco
se usa poco húmedo, ya que requiere un proceso menos laborioso. Sin embargo, el
resultado es menos duradero.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA:
2/6/2020 GRADO: 7mo – 1ro de secundaria
TEMA:
LA MUSICALIZACION.
Está
comprobado que el efecto músico, en una escena es agradable para el espectador
e indudablemente siempre potencia la escena
Ciertos
directores basados en sus experiencias particulares, afirman que la música debe
cumplir un papel fundamental en la escena, de hecho, algunos en sus puestas que
realizan dedican un espacio donde mezclan texto con música o música con algún
momento de silencio y acción.
Hubo
algunas obras que hasta se han desarrollado casi como un videoclip teatral
Es normal
que quienes están en el mundo del teatro cuando ven una obra teatral ajena,
piensen en algunas instancias modificadas donde haya un buen momento o una
buena escena para insertar un tema musical.
Evidentemente
la música potencia la situación cualquiera fuere.
Tratemos
de buscar el porqué de esta negación.
Muchas
tendencia teatrales consideran en forma textual y radical, al actor, como el
elemento único de importancia en la escena y es por eso que trabajan con ellos
en una caja negra sin escenografías ,ni vestuarios , solamente con la luz blanca
, fija, mínima y necesaria.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 25/5/2020 GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: PINTURA
MURAL
La pintura
mural es aquella imagen que usa de soporte un muro o pared, o en otras
palabras, es la pintura bidimensional condicionada por los parámetros arquitectónicos
o muros que la iconografía actúan de soporte.
Si hacemos
algo de memoria, sus comienzos fueron en la iconográficas de las pinturas
rupestres. Luego surgía en las ciudades antiguas, plazas, templos, viviendas…
en la mayoría de ocasiones ilustrando actividades de la vida cotidiana o del
universo religioso. Con el paso de los años, ha sido utilizada como lucha
revolucionaria, en la búsqueda de cambios sociales por las partes opuestas.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
Es el arte
de componer y representar una historia sobre el escenario. Se conoce como dramaturgo
a quien escribe las obras para que sean representadas en teatro o adapta otros
libros a dicho formato.
El
dramaturgo, por lo tanto, se dedica tanto a la escritura de los textos como al
diseño de la obra, ya que se encarga de desarrollar la estructura de la
representación.
La principal diferencia entre un dramaturgo y un escritor que
se dedica a otros géneros es que, en la dramaturgia, los conflictos suceden en
el mismo momento y lugar en que se presentan.
Aunque
está fuertemente vinculada al teatro, la dramaturgia también está presente en
el cine y en la televisión. Esto quiere decir que un dramaturgo puede ser autor
de guiones cinematográficos y de libretos de telenovela.
Las obras
de la dramaturgia pueden dividirse en actos que, a su vez, pueden fragmentarse
en cuadros. Los cuadros, por último, se encuentran divididos en escenas. La
extensión de cada una de las partes de una obra puede variar de acuerdo a la
voluntad del dramaturgo. Hay obras que están constituidas por un único acto. Es
importante tener en cuenta que una obra de dramaturgia puede adaptarse a
diversos formatos.
De esta manera, una obra teatral puede transmitirse en
televisión o llegar al cine. En todos los casos, lo importante es que se
mantenga la estructura de actores interactuando “aquí y ahora” frente a los
ojos del espectador que observa la representación de las acciones.
La dramaturgia da a
la obra y a la actuación una estructura. Más que un escrito propiamente dicho,
el trabajo del dramaturgo puede definirse como el de un diseño. Difiere de la
literatura escrita común por ser más la estructuración de una historia de acuerdo
con los elementos específicos del teatro. El dramaturgo en la pieza teatral,
crea los personajes y conflictos que serán presentados dando la impresión de
que acontecen «aquí y ahora». Actualmente la dramaturgia no sólo está
relacionada con el texto teatral sino que está presente en toda obra escrita
con el fin de poder representar una historia, por ejemplo los guiones
cinematográficos y las telenovelas.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 18/5/2020 GRADO: 8vo –2
do de secundaria
ESCRIBE LOS TIPOS DE ILUMINACIÓN
Frontal:
Cuando la luz que recibe el objeto viene desde un punto frontal, de frente.
Frontal-lateral:
Cuando la luz que incide de un objeto proviene de un punto frontal, pero
levemente de lado, sea este derecho o izquierdo.
Lateral:
La luz que recibe el objeto proviene del lado derecho o izquierdo.
Contraluz:
La luz proviene desde atrás del objeto que observamos.
Cenital:
La luz ilumina al objeto desde arriba.
Desde
abajo: Como su nombre lo dice, el objeto recibe la luz desde un punto inferior
al plano en que se encuentra, es decir, desde abajo.
El volumen
es el espacio ocupado por un cuerpo al conocimiento del cual llegamos por medio
de la luz y de las sombras, y que nos permite tener una percepción
tridimensional de ese cuerpo o de ese objeto que deseamos representar en un
dibujo o en una pintura. El volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos
que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la luz y, por
consiguiente, de las sombras que ésta produce. La definición correcta del
volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las intensidades de sus
sombras.
Podemos
establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas.
Sombras
propias son las que se origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las
que produce en las superficies vecinas. También hay que tener en cuenta los
reflejos producidos por la luz que proyectan las superficies u objetos vecinos,
ya que aclaran la sombra propia.
Entre la
luz y la sombra, hay una zona de transición o de medias tintas, y que puede
variar en extensión dependiendo de la intensidad de la luz.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
TEMA:
La Idea
Coreográfica.
La idea
coreográfica es la que guía el proceso de creación, es decir, un coreógrafo no
puede simplemente crear sin tenerun camino que seguir. El primer paso, dirían
los expertos es delimitar el fin de la composición coreográfica. El montaje
debe ser coherente con la idea general que se pretende expresar, por ello,
clarificarla es parte determinante de la construcción.
Algunas
de las formas más comunes de abordar el desarrollo de la coreografía son:
Energía.
Forma.
Tiempo.
Los
parámetros del espacio son:
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 12/5/2020 GRADO: 8vo –2
do de secundaria
TEMA: CONT : ESCALA
TONAL LUZ Y SOMBRA
Escribe estos conceptos
LUZ
SOMBRA
SOMBREADO
Gradación del tono o color en dibujo y pintura.
SOMBREAR
Dar sombra.
TONO
Variación de la tonalidad de un tinte o matiz con respecto a un punto de
referencia; por ejemplo: grados de tono de grises, de claros a oscuros, entre
un tinte blanco y un tinte negro.
VALOR
TONAL
Gradación leve, sutil y paulatina entre un tono y otro, de claro a
oscuro, de la luz a la sombra o viceversa.
TINTE
Color en sí; por ejemplo: rojo, amarillo, azul son tintes diferentes y en el
sistema sustractivo del color o color pigmento son los colores primarios, que
al mezclarlos producen otros tintes como el naranja, el verde, el violeta...
VOCABULARIO
SOBRE LA LUZ Y LA SOMBRA APLICADOS AL DIBUJO:
LUZ NATURAL
La que nos llega del sol.
LUZ
ARTIFICIAL
Producida por lámparas eléctricas o de otro tipo de energía
diferente a la del sol.
LUZ
DIRECTA
La que llega directamente al modelo, bien sea luz natural o luz
artificial.
LUZ
DIFUSA
Luz natural en un día nublado; luz que llega desde una ventana o una
puerta e incide directamente en el modelo, después de haberse reflejado en
paredes, techo, suelo, etc.
ZONAS
DE LUZ
Zonas del modelo directamente iluminadas y no influenciadas por
reflejos.
BRILLO
Efecto que se consigue por contraste entre un espacio en blanco y las zonas más
o menos oscuras que le rodean.
SOMBRA
PROPIA: Zona de sombra que pertenece al objeto dibujado.
SOMBRA
PROYECTADA
La que arroja o proyecta el modelo sobre superficies próximas a él:
suelo, paredes, caras o superficies de otros objetos, etc.
JOROBA
DE LA SOMBRA
Zona de una sombra donde la oscuridad es más acusada o
pronunciada.
PENUMBRA
Zona de tonalidad intermedia situada entre una zona de luz y otra zona de
sombra, propia o proyectada.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 12/5/2020 GRADO: 7mo –
1ro de secundaria
TEMA: COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA
Coreografía,
literalmente "escritura de la danza", (también llamada composición de
la danza). De las palabras griegas "χορεία" (danza circular, corea) y
"γραφή" (escritura). Es el arte de crear estructuras en las que
suceden movimientos; el término composición también puede referirse a la
navegación o conexión de estas estructuras de movimientos. La estructura de
movimientos resultante también puede ser considerada como la Coreografía.
EJEMPLO DE COMO HACER UNA COREOGRAFÍA
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 5/5/2020 GRADO: 8vo –2
do de secundaria
Una de las
características más importantes de una buena pintura es el contraste entre las
zonas de luces, sombras y medios tonos, pues se vuelve atractiva a la mirada
humana capturando su atención.
Esta característica
llamada valor o valor tonal es por lo general incluso más relevante que el
matiz en sí del color, a menos de que se trate de una obra colorista bien
ejecutada, como te comentaré más adelante, y su gran importancia radica en los
efectos que proporciona.
1-Crear la
tridimensionalidad o volumen de las formas
Contraste
simultáneo de valor
Se produce
un cambio en la percepción del color cuando se rodea de otro más claro o más
oscuro que este. Si se rodea de un color más claro, el contraste hará que se
vea más oscuro, si le rodea un color más oscuro hará que se vea más claro.
Por ejemplo,
si tenemos una mancha de chocolate en una camisa blanca: es muy notorio, llama
más la atención y nos daremos cuenta de que ahí está la mancha, porque el
oscuro del chocolate se hace notar más con el fondo blanco de la camisa. Pero si por ejemplo cae sobre una camisa roja
oscura, o un azul oscuro, pues quizá tengamos la suerte de que pase un
inadvertida, que no sea tan dramática la situación, pues el café oscuro del
chocolate no resaltará tanto.
HACER EN
TU CUADERNO ESTA DEGRADACIÓN A
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 5/5/2020 GRADO: 7mo –
1ro de secundaria
Es proceso
de transculturación y mestizaje entre distintas culturas. En términos
generales, se refiere básicamente a cómo se produjo la mezcla entre Europa,
sobre todo España y Portugal, y el Nuevo Mundo (América)
A la mezcla y coparticipación de formas culturales que permanecen juntas
y en convivencia generando un resultado se les llama sincretismo, esta
característica abstracta pero real distingue las obras más representativas del
arte contemporáneo latinoamericano. La tecnología ha limitado las principales
relaciones del sincretismo, al estudio del comportamiento de las comunidades,
razas y pueblos en torno a la pervivencia de rituales paganos mezclados con
creencias religiosas, pero no en relación con el arte, de aquí la importancia
de un estudio sobre la relación particular del sincretismo con la obra de arte
contemporáneo.
El sincretismo existe por sí mismo, es para sí mismo y en sí es una
acción individual desde dentro de las entrañas de las mezclas e híbridos, parte
del contexto referencial del artista y de su mundo que obedece a lazos internos
y externos de sus fenómenos culturales. Así, la función del arte no es de
resultados sino de proposiciones que establecen acciones que conllevan verdad
artística y verdad intencional de realización, por tanto, lo sincrético existe
en su propio ser y hacer de la condición del hombre histórico, sagrado o
profano. Palabras clave: Sincretismo, cultura, arte contemporáneo, identidad,
etnología, performance, preformáis, ex libris, liga latinoamericana de artistas
Ver este vídeo de sincretismo
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA:
29/4/2020
GRADO: 8vo –2 do de secundaria
El cuento
musical es un recurso verdaderamente útil para la formación del
EJEMPLO
DEL CUENTO MUSICAL
EL
MÁGICO PAÍS DE LA MÚSICA
En un
lugar muy lejano, más allá de bosques y lagos, donde la vista a penas
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
TEMA:
REPERTORIO DE COMPOSITORES DOMINICANOS.
Se trata
del conjunto de piezas que una agrupación artística ensaya y prepara para
ejecutar o representar ante el público.
Listado de compositores Dominicanos.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA:
20/4/2020
GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: ACCESORIO
ARTESANALES DE USO PERSONAL.
Aunque las
artesanías son expresiones propias de una comunidad o región, cualquiera se
puede apropiar de ellas. Que se conozcan y usen más allá de esas fronteras es
algo que enorgullece a sus autores, los artesanos.
Sombrero
Collar
Prendedor
Mochilas
A lo largo
y ancho del país, las mujeres campesinas, indígenas y afro tejen mochilas;
estas son parte de su cultura y tradición. Sin importar de qué región o
comunidad provenga, es un accesorio que nos identifica a los colombianos y se
puede usar en cualquier ocasión sin importar edad y ocupación, si estás de
traje o informal. Puede ser tradicional o intervenida por un diseñador o
artista. Si la lleva cruzada es más casual. La de la foto, es hecha por adultos
mayores de la comunidad wayú (La Guajira), un diseño que rescataron de su
tradición. “Puedes cargar una pinta para un viaje corto, o hacer la compra en
la tienda el sábado”, agrega el diseñador.
DIBUJA EN TU CUADERNO
UNA DE ESTAS ARTESANÍA.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 20/4/2020
GRADO: 7mo – 1ro de secundaria
TEMA: LA DRAMATURGIA
La Dramaturgia (del griego δραματουργία) es la acción y efecto de crear, componer, escenificar y representar un drama, convirtiéndolo en espectáculo teatral.1 El término se aplica no solo al teatro sino a otros espectáculos de las artes escénicas, como la danza, la ópera o el circo.
Debido a la especialización existente en el sector de las artes escénicas, se está produciendo una necesidad de diferenciar al creador literario de una obra, el dramaturgo o escritor dramático, de aquella persona que recibe una historia y la adapta para ponerla en escena: la dramaturgita. Ambos se pueden considerar creadores y por lo tanto susceptibles de percibir derechos de autor. Normalmente un dramaturgo al escribir ya está proponiendo una primera adaptación de su obra, por lo que los dramaturgos suelen ser dramaturgitas, pero no al revés.
Esta figura, la de dramaturgita en la mayoría de países es menos visible puesto que la asume automáticamente el director o escenificador de una obra, pero en Alemania5 es habitual que haya equipos de varias dramaturgitas que adoptan además roles de gestor cultural en los teatros públicos, planificando una temporada según un repertorio muy concreto, con indicaciones muy precisas tanto históricas como técnicas para el director, quien tiene menos margen que sus homólogos extranjeros.
Franklin Domínguez (nació el 5 de junio de 1931 en Santiago de los Caballeros, República Dominicana) es un dramaturgo, director teatral, abogado, actor y político dominicano conocido por dirigir en 1963 la primera película dominicana, La silla1, protagonizada por el actor Camilo Carrau.
Estudió actuación en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Santo Domingo. Es licenciado en filosofía y doctor en derecho por la Universidad Autónoma de Santo Domingo. Fue Director de Información y Prensa de la Presidencia de la República Dominicana bajo cinco presidentes (Juan Bosch -1963, Molina Ureña y el coronel Caamaño - 1965, García Godoy - 1966, Antonio Guzmán - 1978). También fue director del Teatro de Bellas Artes en dos ocasiones y presidente de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos de la República Dominicana. Fundó la agrupación política Movimiento de Conciliación Nacional, de la que llegó a ser candidato presidencial. Ha sido Director General de Bellas Artes en tres ocasiones y miembro de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos de París.
Ver esta entrevista al dramaturgo Dominicano Franklin Dominguez.
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA:
20/4/2020
GRADO: 6to A, B, C, D
TEMA: TIPOS DE ARTES PLÁSTICAS
Las artes plásticas son aquellas en las que se usan materiales que pueden ser modificados o moldeados por un artista para la creación de una obra.
Escultura
Esculpir es el arte de crear formas figurativas o
abstractas, tanto exentas como en relieve; a estas formas se les denomina
esculturas. Junto con la pintura, arquitectura, música, poesía y danza, es una
de las manifestaciones artísticas de las artes plásticas o artes visuales. Las
obras escultóricas se expresan mediante formas sólidas, reales, volumétricas,
pues ocupan un espacio tridimensional: tienen alto, ancho y profundidad, por lo
que el volumen y bulto puede tocarse, rodearse y verse desde cualquier ángulo.
Pintura
La pintura
es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con
otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean
técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición
pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en
una superficie determinada una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera,
un fragmento de tejido, una técnica determinada, para obtener una composición
de formas, colores, texturas, dibujos,dando lugar a una obra de arte
según algunos principios estéticos.
El artista
se puede expresar de manera gráfica con sus pensamientos, percepciones y
sentimientos, al plasmar tintes o pinturas en un lienzo, muro o superficie.
Dibujo
Grabado
Arquitectura
La
arquitectura es el arte y la técnica de proyectar y construir edificios. El
concepto procede del latín architectura que, a su vez, tiene origen en el
griego.
Hacer un breve resumen.
¿cual de estas arte plásticas te gusto mas y por que?
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
TEMA:
CONT, TIPOS DE TITERES
Existen
distintos tipos de títeres, entre los que se destacan los siguientes:
Títere bocón:
También llamado títere Muppet, es
el que se hace con la mano doblada, formando la boca. El cuerpo de la figura no
tiene otro movimiento que el del alcance de la muñeca, y generalmente se
utiliza para escenificar monólogos o funciones de comedia. La mano forma la
cabeza de la muñeca, y es la que maneja la apertura y el cierre de la boca.
Títere marioneta:
Consiste en la manipulación de un muñeco articulado, utilizando hilos o un mando de madera que el manipulador sujeta y mueve con las manos.
Títere bunraku:
Es un subtipo de marioneta que tomó definición propia. Es la manipulación de un muñeco muy similar en tamaño a un niño de diez años desde la sujeción de las extremidades y la cabeza con hilos, que le dan aspecto de movimientos naturales. El movimiento del típico bunraku requiere de la intervención de más de una persona; generalmente el maestro manipula la cabeza y una de las manos, mientras que los ayudantes las piernas y el brazo restante.
Títeres de sombras:
Son figuras sin cuerpo, planas, formadas sobre una varilla que se colocan detrás de una pantalla semitransparente y que toman ‘vida’ con un foco de luz que genera un teatro de sombras. En el caso de que se apliquen también las manos se llamaría.
Dibuja en tu cuaderno uno de los tipos de tires que hemos explicado en esta clase virtual .
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
TEMA: EL
COLLAGE
Se
denomina collage (del francés coller, que traduce “pegar”) a una técnica
artística consistente en la construcción de obras plásticas mediante la
aglomeración o conjunción de piezas o recortes de distinto origen, dándoles un
tono unificado. En otras palabras, se trata de armar una obra con pedacitos
obtenidos de otras fuentes.
El collage
es típico de la pintura, pero también es posible emplear sus principios en la
música, fotografía, cine, literatura o videoclip. En el caso de las artes
plásticas, suele echarse mano como materia prima para un collage a fotografías,
ilustraciones, periódicos, revistas, madera, piel, objetos cotidianos.
Se asume que el
pintor español Pablo Picasso habría inventado el collage en 1912 con su obra
Naturaleza muerta con silla de rejilla. Pero ya había tenido experiencias
similares desde 1898, y se inspiraba en las experiencias de Marcel Duchamp con
el “Objeto encontrado” (objet trouvé), arte fabricado con objetos cotidianos.
Ahora verán este vídeo para ver como pueden hacer un collage con papel de colores y en otra ocaciones con recortes de periodicos y revistas.
Hacer un collage en tu cuaderno ,puedes usar papel de colores ,recortes de periódico y revistas.
Aquí les dejo algunos ejemplos de collage , que si desean pueden hacer de los ejemplos o hacerlos a su gusto.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 14/4/2020 GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: EXPOSIONES Y MUESTRAS DE ARTES
Una
exposición de arte es el espacio donde se dan a conocer al público determinados
objetos artísticos (en el sentido más general). En términos universales, toda
exposición se considera temporal, a menos que se especifique que se trata de
una exposición permanente.
Exposiciones
de los museos del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura ofrecerá al
público este año un amplio panorama tanto de expresiones de arte contemporáneo,
como grandes retrospectivas de artistas nacionales e internacionales, así como
muestras temáticas que revisan las colecciones nacionales que resguarda el
INBAL, fortaleciendo así la vocación de sus recintos y promoviendo la
colaboración interinstitucional.
Ver el siguiente vídeo siguiente de como hacer una exposición artística.
Hacer un dibujo en tu cuaderno el cual crees ,sea tan bueno y especial que pudieras exponer en una exposición artística
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 14/4/2020 GRADO: 7mo –
1ro de secundaria
Una
maqueta arquitectónica es una representación física a escala reducida de una
edificación, proyecto urbano, o partes del mismo. La representación puede ser
muy sencilla, de sólo volúmenes, hasta extremadamente detallada, similar a un
diorama. El uso varía desde un modelo rápido, para referencia, exploración o
análisis, hasta modelos muy acabados para la promoción o presentación de
proyectos a clientes, o al público. Además de las maquetas arquitectónicas y
urbanas, se elaboran también maquetas de territorios.
Las
maquetas arquitectónicas, como la mayoría de las representaciones de escala, se
utilizan como una herramienta de comunicación. Una maqueta a escala, debería
entregar un mensaje altamente eficaz. Los arquitectos hacen maquetas a escala
durante el diseño para estudiar algún aspecto de la forma general o la relación
entre edificios u otros aspectos. La maqueta a escala es un arte que requiere
precisión y experiencia.
Los
materiales que se utilizan para hacer las diferentes partes de la maqueta son
muy variados, tales como: madera, corcho, cartón (cartón espuma, etc.),
plástico, acrílico, espuma sintética, vidrio (bases), lija, esponja,
plastilina, metal (chapa).
Además,
existen empresas especializadas en fabricar elementos decorativos a escala para
maquetas, como plantas, muebles, puertas, figuras humanas, vehículos, y muchos
otros más.
Entre los
materiales más utilizados en la creación de las maquetas destaca el papel
batería, aunque puede ser sustituido por cartón, papel ilustración.
Ver el siguiente vídeo en el cual aprenderemos como hacer una maqueta.
DIBUJA EN TU CUADERNO EL PLANO DE TU MAQUETA.
EJEMPLO :
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
TEMA: LO POPULAR EN LAS ARTES PLÁSTICAS DOMINICANAS
La trascendencia del arte dominicano del siglo XXI
debe darse sobre la base de una magia analítica y de una categoría poética rica
en oposiciones a los postulados del clasicismo y el romanticismo.
Innegablemente, a pesar de que han transcurrido más de
cien años, todavía, el arte dominicano contiene muchas zonas oscuras foráneas,
lo cual no le permite imponer factores subjetivos contundentes y establecer un
fundamento teórico, sensaciones estructurales académicas, con tal de que el
artista sitúe su arte en la categoría del sesgo crucial de la creación.
EN EL SIGUIENTE VÍDEO APRENDEREMOS QUE SON LAS ARTES VISUALES
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
Un títere es un muñeco que se mueve mediante hilos u
otro procedimiento. Puede estar fabricado con trapo, madera o cualquier otro
material y permite representar obras de teatro, en general dirigidas al público
infantil.
Más
concretamente podemos establecer que existen tres grandes tipos de títeres:
Títere de
guante. Como su propio nombre indica, es aquel que tiene forma de guante por lo
que el artista que trabaja con él inserta su mano en este para luego moverlo a
su antojo. No obstante, existe una variación y es aquel conjunto de títeres que
se insertan en los dedos.
Títere de
hilos, que se mueve a través de unos hilos que tiene enganchados y en cuyo
final se encuentran las manos del titiritero que es el que los moverá.
Títere de
peana. Se dan en llamar así porque tiene un soporte de madera y también una
varilla que son los elementos que permiten trabajar con él al tiempo que
sostenerlo.
En siguiente vídeo aprenderemos como hacer un títere con un calcetin.
DIBUJA EN TU CUADERNO UN TÍTERE
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
TEMA: MÚSICA Y DANZAS DOMINICANA MANGULINA
La Mangulina es un baile folclórico dominicano practicado en la región sur del país. Se ha desplazado hacia los centros urbanos y hoy ocupa, junto al merengue, un lugar de importancia en las fiestas populares.
Muchas de las posiciones sobre el origen del nombre y baile de la Mangulina, se apoyan en argumentos relacionados con el contenido de los versos de las canciones, popularizadas en diferentes épocas, a mediados del siglo pasado
La
Mangulina, generalmente se baila con ropa de estilo campesino. Se cree que su
coreografía inicial es una imitación del vals. Las canciones de la mangulina
son versos en coplas y décimas.
Según
apuntan los coreógrafos, se baila de la siguiente manera: dando vueltas las
parejas enlazadas, primero en una dirección y luego en otra, tras haber dado
tres pasos de descanso con un balanceo, ligera y lateralmente.
El conjunto típico mental lo integran: acordeón, balsié, güira y pandero.
Dibuja estos instrumentos musicales.
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA:
25/3/2020
GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: CONT
---DIFERENCIAS ENTRE TEATRO Y DANZA
Desarrollo
Teatro y
danza son dos artes escénicas en el que los actores o bailarines actúan para un
público en un escenario. Existen mezclas entre ellos: muchos actores también
son bailarines, actuando en obras musicales, mientras que las habilidades para
la actuación son a menudo una parte crítica de la danza. "La danza
contiene elementos teatrales" y el teatro transmite mensajes a través del
"movimiento, así como las palabras", según el crítico John Rockwell
de "The New York Times". Sin embargo, las diferencias entre las dos
formas de arte se encuentran en cosas tales como la narración de cuentos,
guiones y el movimiento contra el diálogo.
Guiones
Movimiento vs. diálogo
Artes dominantes
Dibuja en tu cuaderno :
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 2/6/2020 GRADO: 8vo –2 do
de secundaria
TEMA: LA PINTURA MURAL La pintura
mural es, probablemente, el tipo de pintura más antigua. Se realiza sobre los
muros o las paredes. Su principal objetivo es decorarlos; pero, en ocasiones,
su fin también es enseñar y educar. Un ejemplo es la representación de escenas
religiosas durante la edad media. Como muy poca gente sabía leer, esta era una
forma de transmitir las enseñanzas.
Existen
varias técnicas o formas de hacer una pintura mural. La más antigua es la del
temple, pues ya se usaba en el antiguo Egipto, Babilonia y Creta. Consiste en
disolver los colores (llamados pigmentos) en agua y mezclarlos con un
aglutinante (un líquido espeso para mezclar), como, por ejemplo, la yema de
huevo.
Una vez
mezclado el pigmento con el agua y el aglutinante, se prepara el muro sobre el
que se va a pintar. Debe pulirse hasta que quede completamente liso. Después se
aplican varias capas de yeso, e inmediatamente, se realiza el dibujo. Como el
yeso húmedo es muy absorbente, los colores se impregnan rápidamente en el muro;
pero el inconveniente es que los pintores deben trabajar muy deprisa, antes de
que la superficie se seque por completo. Esta fue la razón por la que, a partir
del renacimiento, el temple fue sustituido por otra técnica: la pintura al
óleo.
Con la
técnica al óleo es mucho más fácil trabajar. El pigmento se disuelve en aceite,
que seca mucho más lentamente. Así, el pintor tiene más tiempo para hacer las
correcciones que desee, y además, puede aplicar diferentes capas de pintura.
Pero la
técnica más importante y más usada es el fresco. El primer paso es distinguir
entre el buen fresco y el fresco seco, según se conocían en Italia durante el
renacimiento. En ambas técnicas se utiliza el yeso; pero en la del fresco seco
se usa poco húmedo, ya que requiere un proceso menos laborioso. Sin embargo, el
resultado es menos duradero.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA:
2/6/2020 GRADO: 7mo – 1ro de secundaria
TEMA:
LA MUSICALIZACION.
Así, tanto
la escenografía o la iluminación, la musicalización es un elemento importante
en el teatro, aunque algunos digan lo contrario.
Ciertos
directores basados en sus experiencias particulares, afirman que la música debe
cumplir un papel fundamental en la escena, de hecho, algunos en sus puestas que
realizan dedican un espacio donde mezclan texto con música o música con algún
momento de silencio y acción.
Hubo
algunas obras que hasta se han desarrollado casi como un videoclip teatral
La música
en escena, no es propia ni del cine ni de la tv y el hecho que se relacionen
con ellas es solamente porque el cine y la tv abusaron de la música hasta apropiársela.
Nada es más
hermoso que ver en vivo y en directo una escena de besos o amor con una
excelente música de fondo.
Es normal
que quienes están en el mundo del teatro cuando ven una obra teatral ajena,
piensen en algunas instancias modificadas donde haya un buen momento o una
buena escena para insertar un tema musical.
Evidentemente
la música potencia la situación cualquiera fuere.
Quizás sea
por eso que algunos directores tradicionales consideran a la música como un
pecado o una mala droga, revitalizadora en un principio, pero ajena a la actuación
y por consiguiente termina siendo mala para el actor y para la puesta.
Tratemos
de buscar el porqué de esta negación.
Quizás sea
porque el teatro a diferencia del cine o tv es realista y en una acción de la
realidad, la música no existe y no sale de la nada como en una puesta escénica,
fílmica o televisiva.
Con ese
criterio tampoco podríamos usar el recurso de la luz porque nada se apaga o se
prende solo en la vida real, por ejemplo, cuando besamos a nuestra amada.
Muchas
tendencia teatrales consideran en forma textual y radical, al actor, como el
elemento único de importancia en la escena y es por eso que trabajan con ellos
en una caja negra sin escenografías ,ni vestuarios , solamente con la luz blanca
, fija, mínima y necesaria.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 25/5/2020 GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: PINTURA
MURAL
La pintura
mural es aquella imagen que usa de soporte un muro o pared, o en otras
palabras, es la pintura bidimensional condicionada por los parámetros arquitectónicos
o muros que la iconografía actúan de soporte.
Si hacemos
algo de memoria, sus comienzos fueron en la iconográficas de las pinturas
rupestres. Luego surgía en las ciudades antiguas, plazas, templos, viviendas…
en la mayoría de ocasiones ilustrando actividades de la vida cotidiana o del
universo religioso. Con el paso de los años, ha sido utilizada como lucha
revolucionaria, en la búsqueda de cambios sociales por las partes opuestas.
Las
características de la pintura mural se encuentran: la monuntabilidad, la cual
no solo está dada por el tamaño de la pared, sino por cuestiones compositivas
de la imagen; la poli angularidad, que permite romper el espacio plano del
muro. La arquitectura no está solamente relacionada con el resultado final de
la misma, sino también con la conservación de la pintura mural durante el
proceso de conservación.
A la hora
de la realización de este tipo de técnica temática, debemos tener en cuenta el
material sobre el cual se va a llevar a cabo, para utilizar los materiales más
adecuados para conseguir un mayor impacto visual. Siempre debe llevarse a cabo
la preparación de la base con una capa de imprimación, para aislar la capa pictórica del soporte y conseguir una textura lisa con la que trabajar.
En la
actualidad la pintura mural o temática evoluciona hasta nuestros días y el
grafiti es considerada como una vertiente más artísticas y monumentales. Es la
vertiente más libre de todas y la que le da la oportunidad de hablar a artistas
anónimos.
La pintura
mural ha sido utilizada desde tiempos muy atrás, pero no por ello ha dejado de
ser una perfecta técnica de tematización. Sin lugar a duda la utilización de
este tipo de técnicas es de gran utilidad para la tematización de grandes
espacios.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 25/5/2020 GRADO: 7mo –
1ro de secundaria
TEMA: LA DRAMATURGIA 
Es el arte
de componer y representar una historia sobre el escenario. Se conoce como dramaturgo
a quien escribe las obras para que sean representadas en teatro o adapta otros
libros a dicho formato.
El
dramaturgo, por lo tanto, se dedica tanto a la escritura de los textos como al
diseño de la obra, ya que se encarga de desarrollar la estructura de la
representación.
La principal diferencia entre un dramaturgo y un escritor que
se dedica a otros géneros es que, en la dramaturgia, los conflictos suceden en
el mismo momento y lugar en que se presentan.
Aunque
está fuertemente vinculada al teatro, la dramaturgia también está presente en
el cine y en la televisión. Esto quiere decir que un dramaturgo puede ser autor
de guiones cinematográficos y de libretos de telenovela.
Las obras
de la dramaturgia pueden dividirse en actos que, a su vez, pueden fragmentarse
en cuadros. Los cuadros, por último, se encuentran divididos en escenas. La
extensión de cada una de las partes de una obra puede variar de acuerdo a la
voluntad del dramaturgo. Hay obras que están constituidas por un único acto. Es
importante tener en cuenta que una obra de dramaturgia puede adaptarse a
diversos formatos.
De esta manera, una obra teatral puede transmitirse en
televisión o llegar al cine. En todos los casos, lo importante es que se
mantenga la estructura de actores interactuando “aquí y ahora” frente a los
ojos del espectador que observa la representación de las acciones.
La dramaturgia da a
la obra y a la actuación una estructura. Más que un escrito propiamente dicho,
el trabajo del dramaturgo puede definirse como el de un diseño. Difiere de la
literatura escrita común por ser más la estructuración de una historia de acuerdo
con los elementos específicos del teatro. El dramaturgo en la pieza teatral,
crea los personajes y conflictos que serán presentados dando la impresión de
que acontecen «aquí y ahora». Actualmente la dramaturgia no sólo está
relacionada con el texto teatral sino que está presente en toda obra escrita
con el fin de poder representar una historia, por ejemplo los guiones
cinematográficos y las telenovelas.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 18/5/2020 GRADO: 8vo –2
do de secundaria
TEMA: TIPOS
DE
ESCRIBE LOS TIPOS DE ILUMINACIÓN
Frontal:
Cuando la luz que recibe el objeto viene desde un punto frontal, de frente.
Frontal-lateral:
Cuando la luz que incide de un objeto proviene de un punto frontal, pero
levemente de lado, sea este derecho o izquierdo.
Lateral:
La luz que recibe el objeto proviene del lado derecho o izquierdo.
Contraluz:
La luz proviene desde atrás del objeto que observamos.
Cenital:
La luz ilumina al objeto desde arriba.
Desde
abajo: Como su nombre lo dice, el objeto recibe la luz desde un punto inferior
al plano en que se encuentra, es decir, desde abajo.
El volumen
es el espacio ocupado por un cuerpo al conocimiento del cual llegamos por medio
de la luz y de las sombras, y que nos permite tener una percepción
tridimensional de ese cuerpo o de ese objeto que deseamos representar en un
dibujo o en una pintura. El volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos
que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la luz y, por
consiguiente, de las sombras que ésta produce. La definición correcta del
volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las intensidades de sus
sombras.
Podemos
establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas.
Sombras
propias son las que se origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las
que produce en las superficies vecinas. También hay que tener en cuenta los
reflejos producidos por la luz que proyectan las superficies u objetos vecinos,
ya que aclaran la sombra propia.
Entre la
luz y la sombra, hay una zona de transición o de medias tintas, y que puede
variar en extensión dependiendo de la intensidad de la luz.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA:
18/5/2020
GRADO: 7mo – 1ro de secundaria
TEMA:
La idea
coreográfica es la que guía el proceso de creación, es decir, un coreógrafo no
puede simplemente crear sin tenerun camino que seguir. El primer paso, dirían
los expertos es delimitar el fin de la composición coreográfica. El montaje
debe ser coherente con la idea general que se pretende expresar, por ello,
clarificarla es parte determinante de la construcción.
Algunas de las formas más comunes de abordar el desarrollo de la coreografía son:
Elementos
del movimiento.
Energía.
Propulsa,
inicia o produce cambios en el movimiento o posición del cuerpo. Todas las
acciones motrices están ligadas a la energía, dado que es necesaria para
iniciar, controlar y parar el movimiento. El conocimiento del grado de energía
permite transformar el movimiento, logrando que sea más expresivo, eficaz y
estético. La cualidad del movimiento está determinada por la manera en que es
utilizada la energía, cuando se mueven distintas partes del cuerpo en el tiempo
y el espacio. Generalmente se habla de pares opuestos: fuerte-débil. Teniendo
en cuenta la fluidez: continua-discontinua.
Forma.
Es la
imagen que el bailarín describe con su cuerpo. También es el formato que un
grupo de bailarines compone en una agrupación. Ej. Círculo, rombo, triángulo,
media luna, etc. Se debe cuidar que en estos dibujos, los bailarines se adapten
unos a otros sin que se tapen los de atrás, a menos de que la intención visual
así lo requiera.
Tiempo.
Se marca
estableciendo la velocidad, el acento, el pulso y el ritmo.
Espacio.
El espacio
es de los principales elementos de la danza, junto con el cuerpo. Puede
clasificarse en personal, parcial, total y social.
Los
parámetros del espacio son:
Dirección.
Es el punto en el espacio circundante hacia donde se dirigen los segmentos
corporales, desplazamientos, etc. Las direcciones en las que podemos movernos
son seis: delante (señalado por el pecho), atrás (señalado por la espalda),
derecha, izquierda (señalados por los hombros), arriba (señalado por la
coronilla) y abajo (señalado por los pies.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 12/5/2020 GRADO: 8vo –2
do de secundaria
TEMA: CONT : ESCALA
TONAL LUZ Y SOMBRA
Escribe estos conceptos
LUZ
Lo que
ilumina los objetos y los hace visibles/cualquier objeto que ilumina/claridad
del día dada por el sol/claridad que irradia un cuerpo en combustión, ignición
o incandescencia/fenómeno físico que emana de los manantiales cósmicos y que
viaja en línea recta en forma de onda y corpúsculo a una velocidad de 300.000
km/seg; nuestra fuente de luz proviene del astro Sol, estrella más bien joven,
que produce una luz más bien amarilla si se le compara con la emitida por
estrellas más viejas, cuya luz suele ser azulosa o blanquecina; a veces, se
dice, la luz que vemos proviene de estrellas ya extintas, pero podemos sin
embargo percibir la luz que emitieron y que ha viajado por el espacio desde
hace gran cantidad de miles de millones de años luz...
SOMBRA
Oscuridad, falta de luz/proyección oscura que
produce un cuerpo al interceptar la luz.
SOMBREADO
Gradación del tono o color en dibujo y pintura.
SOMBREAR
Dar sombra.
TONO
Variación de la tonalidad de un tinte o matiz con respecto a un punto de
referencia; por ejemplo: grados de tono de grises, de claros a oscuros, entre
un tinte blanco y un tinte negro.
VALOR
TONAL
Gradación leve, sutil y paulatina entre un tono y otro, de claro a
oscuro, de la luz a la sombra o viceversa.
MATIZ:
Cada una de las gradaciones que puede tomar un color; por ejemplo, dentro del
tinte azul podemos encontrar: azul celeste, azul aguamarina, azul ultramar,
azul tornasolado, azulverde, azulvioleta...
TINTE
Color en sí; por ejemplo: rojo, amarillo, azul son tintes diferentes y en el
sistema sustractivo del color o color pigmento son los colores primarios, que
al mezclarlos producen otros tintes como el naranja, el verde, el violeta...
VOCABULARIO
SOBRE LA LUZ Y LA SOMBRA APLICADOS AL DIBUJO:
LUZ NATURAL
La que nos llega del sol.
LUZ
ARTIFICIAL
Producida por lámparas eléctricas o de otro tipo de energía
diferente a la del sol.
LUZ
DIRECTA
La que llega directamente al modelo, bien sea luz natural o luz
artificial.
LUZ
DIFUSA
Luz natural en un día nublado; luz que llega desde una ventana o una
puerta e incide directamente en el modelo, después de haberse reflejado en
paredes, techo, suelo, etc.
ZONAS
DE LUZ
Zonas del modelo directamente iluminadas y no influenciadas por
reflejos.
BRILLO
Efecto que se consigue por contraste entre un espacio en blanco y las zonas más
o menos oscuras que le rodean.
SOMBRA
PROPIA: Zona de sombra que pertenece al objeto dibujado.
SOMBRA
PROYECTADA
La que arroja o proyecta el modelo sobre superficies próximas a él:
suelo, paredes, caras o superficies de otros objetos, etc.
JOROBA
DE LA SOMBRA
Zona de una sombra donde la oscuridad es más acusada o
pronunciada.
PENUMBRA
Zona de tonalidad intermedia situada entre una zona de luz y otra zona de
sombra, propia o proyectada.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 12/5/2020 GRADO: 7mo –
1ro de secundaria
TEMA: COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA
Coreografía,
literalmente "escritura de la danza", (también llamada composición de
la danza). De las palabras griegas "χορεία" (danza circular, corea) y
"γραφή" (escritura). Es el arte de crear estructuras en las que
suceden movimientos; el término composición también puede referirse a la
navegación o conexión de estas estructuras de movimientos. La estructura de
movimientos resultante también puede ser considerada como la Coreografía.
Hacer una
coreografía, supone un acto de crear un discurso específico con una intención
personal en el que de una u otra forma se cumpla una interacción con el
público, siendo su destino final la exhibición.
Este
trabajo implica la apropiación y el conocimiento de una o varias técnicas del
movimiento, lenguaje corporal, composición coreográfica, espacial.
El modo de
proceder para componer una coreografía varía considerablemente de un coreógrafo
a otro, por ejemplo:
Algunos
tienen una idea totalmente formada de la coreografía antes de reunirse con los
bailarines; otros conciben la coreografía al guiar la improvisación de los
bailarines. Otros desarrollan una estructura general y después se deciden sobre
las combinaciones específicas mientras trabajan los bailarines, esta última es
la que más se recomienda según los coreógrafos expertos, pero es a comodidad
del coreógrafo. Otros estudian la partitura a partir de mediciones y
exactitudes, otros simplemente escuchan la música y se dejan llevar.
EJEMPLO DE COMO HACER UNA COREOGRAFÍA
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 5/5/2020 GRADO: 8vo –2
do de secundaria
TEMA: ESCALA TONAL LUZ
Y SOMBRA
Una de las
características más importantes de una buena pintura es el contraste entre las
zonas de luces, sombras y medios tonos, pues se vuelve atractiva a la mirada
humana capturando su atención.
1-Crear la
tridimensionalidad o volumen de las formas
2-Destacar
el centro de interés en la obra
3-Crear la
sensación de profundidad y distancias
4-Indicar
de forma coherente la dirección de la luz y formación de sombras
5-Crear la
ruta que debe seguir el ojo del observador
6-Crear
una sensación en la obra (por ejemplo misterio, calma, alegría, tristeza, etc.)
Contraste
simultáneo de valor
Se produce
un cambio en la percepción del color cuando se rodea de otro más claro o más
oscuro que este. Si se rodea de un color más claro, el contraste hará que se
vea más oscuro, si le rodea un color más oscuro hará que se vea más claro.
Por ejemplo,
si tenemos una mancha de chocolate en una camisa blanca: es muy notorio, llama
más la atención y nos daremos cuenta de que ahí está la mancha, porque el
oscuro del chocolate se hace notar más con el fondo blanco de la camisa. Pero si por ejemplo cae sobre una camisa roja
oscura, o un azul oscuro, pues quizá tengamos la suerte de que pase un
inadvertida, que no sea tan dramática la situación, pues el café oscuro del
chocolate no resaltará tanto.
En la
siguiente imagen, podrás verlo con más claridad. El cuadrado gris que está
sobre la zona blanca se ve de un valor más oscuro que el que está sobre la zona
negra. Sin embargo, como vemos en la parte de abajo, si aislamos todos los
cuadrados grises para verlos en un fondo igual (en este caso blanco),
comprobaremos que todos tienen exactamente igual valor tonal.
HACER EN
TU CUADERNO ESTA DEGRADACIÓN A
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 5/5/2020 GRADO: 7mo –
1ro de secundaria
TEMA: SINCRETISMO
EN LAS ARTES
Es proceso
de transculturación y mestizaje entre distintas culturas. En términos
generales, se refiere básicamente a cómo se produjo la mezcla entre Europa,
sobre todo España y Portugal, y el Nuevo Mundo (América)
Actos de negros sin
fe podrían considerarse como elementos de revalidación ante una política de
negación cultural (sincretismo cultural negativo) no es sino hasta principios
del siglo XX que el pueblo latinoamericano logra solidificar, madurar una
teoría relativa al mestizaje cultural. A través de las obras de los creadores
modernos se notaba también la tensión entre las prácticas colonialistas de las
élites locales frente a los elementos silenciados de los pueblos. Rubén Darío
habría marcado una huella profunda entre la forma de entender las relaciones
artísticas entre Europa y Latinoamérica. Su original mezcla de elementos
propios del mestizaje hispano-indígena y su atención a las vanguardias (en una
sociedad costumbrista y conservadora) puso un antes y un después en la forma de
escribir y pensar en el nuevo mundo y fue la base para el surgimiento posterior
de creadores de la talla de Octavio Paz, Pablo Neruda, Gabriela Mistral,
Ernesto Cardenal, Alejo Carpentier o Mario Benedetti.
A la mezcla y coparticipación de formas culturales que permanecen juntas
y en convivencia generando un resultado se les llama sincretismo, esta
característica abstracta pero real distingue las obras más representativas del
arte contemporáneo latinoamericano. La tecnología ha limitado las principales
relaciones del sincretismo, al estudio del comportamiento de las comunidades,
razas y pueblos en torno a la pervivencia de rituales paganos mezclados con
creencias religiosas, pero no en relación con el arte, de aquí la importancia
de un estudio sobre la relación particular del sincretismo con la obra de arte
contemporáneo.
El sincretismo existe por sí mismo, es para sí mismo y en sí es una
acción individual desde dentro de las entrañas de las mezclas e híbridos, parte
del contexto referencial del artista y de su mundo que obedece a lazos internos
y externos de sus fenómenos culturales. Así, la función del arte no es de
resultados sino de proposiciones que establecen acciones que conllevan verdad
artística y verdad intencional de realización, por tanto, lo sincrético existe
en su propio ser y hacer de la condición del hombre histórico, sagrado o
profano. Palabras clave: Sincretismo, cultura, arte contemporáneo, identidad,
etnología, performance, preformáis, ex libris, liga latinoamericana de artistas
Ver este vídeo de sincretismo
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA:
29/4/2020
GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: EL
CUENTO MUSICAL
El cuento
musical es un recurso verdaderamente útil para la formación del
alumnado.
Tiene numerosas aplicaciones. Puede formar parte como actividad de
la
asignatura de música o de lengua o de otra asignatura e incluso como actividad
transversal
en la que se coordinen varios docentes.
En
conservatorios también es posible su aplicación en la asignatura, por
ejemplo,
de lenguaje musical o también como actividad transversal en la que
colabore
todo el profesorado, pudiendo ser representada en público.
El cuento
musical puede ser ya dado (encontramos muchos recursos que se
pueden
comprar o documentos en Internet), puede inventarlo el profesor, pero lo
ideal es
que el propio alumnado invente el mismo pudiendo añadir la parte musical
o ser
ayudado y aconsejado por el profesorado.
EJEMPLO
DEL CUENTO MUSICAL
EL
MÁGICO PAÍS DE LA MÚSICA
En un
lugar muy lejano, más allá de bosques y lagos, donde la vista a penas
alcanza a
divisar la línea del horizonte que separa cielo y tierra, existe un lugar, todo
él
construido de música, era conocido como “El Mágico País de la Música” 1
Los
árboles eran grandes pentagramas de los que colgaban sus frutos con
formas de
corcheas y semicorcheas 2 , la hierba se asemejaba a las barras de
compás. El
mismo sol y la luna no eran sino grandes redondas que nunca sonaban a
la vez 3
Allí había
también un pueblecito con casas de clave de sol, otras de clave de fa e
incluso
algunas en clave de do. Los niños jugaban en el parque “Mozart” donde había
una
pequeña fuente en compás de dos por cuatro 4
Todas las
tardes, a las cuatro tomaban té y oían música todos juntos. Los
músicos
tocaban unas melodías maravillosas y al compás de estas melodías crecían
flores,
volaban pájaros, nadaban patos, y bailaban muchos animales.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 29/4/2020 GRADO: 7mo –
1ro de secundaria
TEMA:
REPERTORIO DE COMPOSITORES DOMINICANOS.
Se trata
del conjunto de piezas que una agrupación artística ensaya y prepara para
ejecutar o representar ante el público.
Cuando los
cantantes o grupos preparan sus giras de conciertos, uno de los aspectos que
deben organizar y establecer para conseguir que los mismos sean un éxito,
además de los efectos visuales o el vestuario, es el repertorio que van a
llevar para conseguir encandilar a sus fans.
Lo habitual es que en
la elección del citado repertorio el grueso más importante sean las canciones
más significativas del último disco, del que se encuentran en plena promoción.
No obstante, es vital que también se incluyan los singles que forman ya parte
de su carrera profesional, que más éxitos les han dado o que se han convertido
en símbolos de su trayectoria.
Listado de compositores Dominicanos.
A
Héctor
Acosta
Luis
Alberti
Álex
Ferreira
Anthony Ocaña
B
Freddy Beras-Goico
Bonny
Cepeda
Bienvenido
Brens
C
José
Manuel Calderón (músico)
Michel
Camilo
Juan Colón
Rafael
Colón
D
Toño
Rosario
Luis
"El Terror" Días
Blas Durán
F
Fefita La
Grande
Zacarías
Ferreira
Damirón
Billo
Frómeta
G
Gabriel
del Orbe
Sandy Gabriel
Issa
Gadala
Vicente
García (cantautor dominicano)
Teodora
Ginés
Guandulito
Juan Luis
Guerra
Luichy
Guzmán
H
Julio
Alberto Hernández
J
Juan
Bautista Alfonseca
K
Luis
Kalaff
L
Bullumba
Landestoy
Ramón
Leonardo
Ñico Lora
M
Enrique de
Marchena
Henry Méndez
Kinito
Méndez
Papa
Molina
N
Yaqui
Núñez del Risco
O
Juan
Francisco Ordóñez
P
Johnny
Pacheco
Chichí
Peralta
Emilio
Prud’Homme
R
Ramón
Orlando
José de
Jesús Ravelo
Reychesta
Anthony
Ríos
Carolina
Rivas
Mario
Rivera
Raulín
Rodríguez
S
Sandy MC
Nuryn Sanlley
Daniel
Santacruz
Rafael
Solano
Auro
Sónico
Salvador
Sturla
Leo Susana
T
Ramón
Torres
V
Vakeró
Cuco Valoy
Wilfrido
Vargas
Johnny
Ventura
Víctor
Víctor
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA:
20/4/2020
GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: ACCESORIO
ARTESANALES DE USO PERSONAL.
Aunque las
artesanías son expresiones propias de una comunidad o región, cualquiera se
puede apropiar de ellas. Que se conozcan y usen más allá de esas fronteras es
algo que enorgullece a sus autores, los artesanos.
En el
marco de Expo artesano, le pedimos al diseñador Juan Pablo Socarrás, quien
trabaja desde hace diez años con artesanos para sus creaciones, que eligiera
unos accesorios que debería tener una mujer, y cómo llevarlos.
Sombrero
Para un
almuerzo campestre o una noche fría, para caminar por la ciudad o de paseo en
el campo. “El sombrero es el nuevo accesorio. Puede ser de paño o artesanal y
adornarlo con una cinta, pañoleta o prendedor. Los hay de color básico o fuerte
como punto focal de la pinta”, dice Socarrás. Este es de artesanos de Sandoná.
Collar
Además de
la carga simbólica que le ponen los artesanos, en este caso las mujeres del
valle de Sibundoy (Putumayo), estos collares “alegran cualquier pinta. Por
ejemplo, en tierra fría, con un buso cuello tortuga oscuro; con una camisa
blanca y un ‘jean’ en Medellín, o con un top en la Costa”, propone Socarrás.
Prendedor
Es un
complemento que se puede llevar en la solapa, adornando una cartera o un
sombrero, para una bufanda o pañoleta, para cerrar una capa. “Es este caso, es
filigrana de Mompox en oro, que tiene algo de volumen y mucho detalle. Llevas
además una historia y una tradición”, comenta el diseñador.
Mochilas
A lo largo
y ancho del país, las mujeres campesinas, indígenas y afro tejen mochilas;
estas son parte de su cultura y tradición. Sin importar de qué región o
comunidad provenga, es un accesorio que nos identifica a los colombianos y se
puede usar en cualquier ocasión sin importar edad y ocupación, si estás de
traje o informal. Puede ser tradicional o intervenida por un diseñador o
artista. Si la lleva cruzada es más casual. La de la foto, es hecha por adultos
mayores de la comunidad wayú (La Guajira), un diseño que rescataron de su
tradición. “Puedes cargar una pinta para un viaje corto, o hacer la compra en
la tienda el sábado”, agrega el diseñador.
DIBUJA EN TU CUADERNO
UNA DE ESTAS ARTESANÍA.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 20/4/2020
GRADO: 7mo – 1ro de secundaria
La Dramaturgia (del griego δραματουργία) es la acción y efecto de crear, componer, escenificar y representar un drama, convirtiéndolo en espectáculo teatral.1 El término se aplica no solo al teatro sino a otros espectáculos de las artes escénicas, como la danza, la ópera o el circo.
Debido a la especialización existente en el sector de las artes escénicas, se está produciendo una necesidad de diferenciar al creador literario de una obra, el dramaturgo o escritor dramático, de aquella persona que recibe una historia y la adapta para ponerla en escena: la dramaturgita. Ambos se pueden considerar creadores y por lo tanto susceptibles de percibir derechos de autor. Normalmente un dramaturgo al escribir ya está proponiendo una primera adaptación de su obra, por lo que los dramaturgos suelen ser dramaturgitas, pero no al revés.
Esta figura, la de dramaturgita en la mayoría de países es menos visible puesto que la asume automáticamente el director o escenificador de una obra, pero en Alemania5 es habitual que haya equipos de varias dramaturgitas que adoptan además roles de gestor cultural en los teatros públicos, planificando una temporada según un repertorio muy concreto, con indicaciones muy precisas tanto históricas como técnicas para el director, quien tiene menos margen que sus homólogos extranjeros.
Franklin Domínguez (nació el 5 de junio de 1931 en Santiago de los Caballeros, República Dominicana) es un dramaturgo, director teatral, abogado, actor y político dominicano conocido por dirigir en 1963 la primera película dominicana, La silla1, protagonizada por el actor Camilo Carrau.
Estudió actuación en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Santo Domingo. Es licenciado en filosofía y doctor en derecho por la Universidad Autónoma de Santo Domingo. Fue Director de Información y Prensa de la Presidencia de la República Dominicana bajo cinco presidentes (Juan Bosch -1963, Molina Ureña y el coronel Caamaño - 1965, García Godoy - 1966, Antonio Guzmán - 1978). También fue director del Teatro de Bellas Artes en dos ocasiones y presidente de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos de la República Dominicana. Fundó la agrupación política Movimiento de Conciliación Nacional, de la que llegó a ser candidato presidencial. Ha sido Director General de Bellas Artes en tres ocasiones y miembro de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos de París.
Ver esta entrevista al dramaturgo Dominicano Franklin Dominguez.
MATERIA: EDUCACION ARTISTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA:
20/4/2020
GRADO: 6to A, B, C, D
TEMA: TIPOS DE ARTES PLÁSTICAS
Las artes plásticas son aquellas en las que se usan materiales que pueden ser modificados o moldeados por un artista para la creación de una obra.
Escultura
Esculpir es el arte de crear formas figurativas o
abstractas, tanto exentas como en relieve; a estas formas se les denomina
esculturas. Junto con la pintura, arquitectura, música, poesía y danza, es una
de las manifestaciones artísticas de las artes plásticas o artes visuales. Las
obras escultóricas se expresan mediante formas sólidas, reales, volumétricas,
pues ocupan un espacio tridimensional: tienen alto, ancho y profundidad, por lo
que el volumen y bulto puede tocarse, rodearse y verse desde cualquier ángulo.
Es Un tipo
de arte en el que se modela en principio con barro, plastilina, madera o
piedra. En la actualidad también se
usan plásticos, polímeros, metales y porcelana.
La pintura
es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con
otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean
técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición
pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en
una superficie determinada una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera,
un fragmento de tejido, una técnica determinada, para obtener una composición
de formas, colores, texturas, dibujos,dando lugar a una obra de arte
según algunos principios estéticos.
El artista
se puede expresar de manera gráfica con sus pensamientos, percepciones y
sentimientos, al plasmar tintes o pinturas en un lienzo, muro o superficie.
Dibujo
El dibujo
es una forma de expresión gráfica que consiste en plasmar imágenes sobre un
espacio plano a través de distintos tipos de instrumentos de dibujo. Dibujar implica delinear imágenes de forma
manual sobre un material de dibujo. El concepto de dibujo refiere tanto al
proceso mismo como al producto final.
Los
dibujos pueden ser representativos, si reproducen de manera más o menos fiel un
objeto real, abstractos, si evocan sensaciones o emociones sin representación
física, o simbólicos, si recurren a convenciones culturales (por ejemplo, el
dibujo de una señal de tránsito).
El dibujo puede
realizarse con una gran cantidad de elementos de dibujo, tales como lápices,
marcadores, y tintas, y se realiza generalmente sobre toda clase de papeles,
que son el soporte más utilizados, aunque también pueden hacerse dibujos sobre
casi cualquier tipo de material, desde plástico hasta metales
Grabado
Se conoce
como grabado a la técnica de impresión o arte que supone un trabajo previo
sobre una superficie a la que luego se la cubre con tinta y de la cual se
obtiene, por prensado, diferentes copias de un mismo modelo. El grabado es una
de las formas más antiguas con las cuales el ser humano pudo realizar obras de
arte, además de servir también como método a partir del cual se pueden obtener
muchas copias de un mismo diseño. El nombre de la técnica, grabado, proviene de
la idea de grabar las modificaciones o alteraciones que se le realiza a una
superficie, marcar, dejar huella de que esa superficie fue trabajada.
Se parece
a la escultura, con la diferencia que se usan moldes y placas que son
realizadas a partir de diversos materiales.
Arquitectura
La
arquitectura es el arte y la técnica de proyectar y construir edificios. El
concepto procede del latín architectura que, a su vez, tiene origen en el
griego.
Puede
decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente
físico para satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo
se encargan de desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad,
sino que también siguen preceptos estéticos. Por eso, la arquitectura suele ser
considerada como una de las bellas artes.
Es una
parte del arte que se enfoca en el estilo, estructura y el modo en que
funcionan las edificaciones realizadas por el hombre.
Hacer un breve resumen.
¿cual de estas arte plásticas te gusto mas y por que?
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA:
20/4/2020 GRADO: 5TO A, B, C
TEMA:
CONT, TIPOS DE TITERES
Existen
distintos tipos de títeres, entre los que se destacan los siguientes:
Títere bocón:
También llamado títere Muppet, es
el que se hace con la mano doblada, formando la boca. El cuerpo de la figura no
tiene otro movimiento que el del alcance de la muñeca, y generalmente se
utiliza para escenificar monólogos o funciones de comedia. La mano forma la
cabeza de la muñeca, y es la que maneja la apertura y el cierre de la boca.
Títere marioneta:
Consiste en la manipulación de un muñeco articulado, utilizando hilos o un mando de madera que el manipulador sujeta y mueve con las manos.
Títere bunraku:
Es un subtipo de marioneta que tomó definición propia. Es la manipulación de un muñeco muy similar en tamaño a un niño de diez años desde la sujeción de las extremidades y la cabeza con hilos, que le dan aspecto de movimientos naturales. El movimiento del típico bunraku requiere de la intervención de más de una persona; generalmente el maestro manipula la cabeza y una de las manos, mientras que los ayudantes las piernas y el brazo restante.
Títeres de sombras:
Son figuras sin cuerpo, planas, formadas sobre una varilla que se colocan detrás de una pantalla semitransparente y que toman ‘vida’ con un foco de luz que genera un teatro de sombras. En el caso de que se apliquen también las manos se llamaría.
Dibuja en tu cuaderno uno de los tipos de tires que hemos explicado en esta clase virtual .
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 20/4/2020 GRADO: 4TO A,
B, C
TEMA: EL
COLLAGE
Se
denomina collage (del francés coller, que traduce “pegar”) a una técnica
artística consistente en la construcción de obras plásticas mediante la
aglomeración o conjunción de piezas o recortes de distinto origen, dándoles un
tono unificado. En otras palabras, se trata de armar una obra con pedacitos
obtenidos de otras fuentes.
El collage
es típico de la pintura, pero también es posible emplear sus principios en la
música, fotografía, cine, literatura o videoclip. En el caso de las artes
plásticas, suele echarse mano como materia prima para un collage a fotografías,
ilustraciones, periódicos, revistas, madera, piel, objetos cotidianos.
Ahora verán este vídeo para ver como pueden hacer un collage con papel de colores y en otra ocaciones con recortes de periodicos y revistas.
Hacer un collage en tu cuaderno ,puedes usar papel de colores ,recortes de periódico y revistas.
Aquí les dejo algunos ejemplos de collage , que si desean pueden hacer de los ejemplos o hacerlos a su gusto.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 14/4/2020 GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: EXPOSIONES Y MUESTRAS DE ARTES
Una
exposición de arte es el espacio donde se dan a conocer al público determinados
objetos artísticos (en el sentido más general). En términos universales, toda
exposición se considera temporal, a menos que se especifique que se trata de
una exposición permanente.
En las
exposiciones, que pueden ser individuales o colectivas, se pueden presentar
imágenes, dibujos, videos, sonidos, interactividades, esculturas, etcétera, de
artistas individuales o de grupos. Las obras artísticas pueden presentarse en
museos, en galerías de arte, clubes de arte o galerías privadas. Hay una
distinción entre exposiciones donde las obras están a la venta y aquellas en
las que sí.
Exposiciones
de los museos del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura ofrecerá al
público este año un amplio panorama tanto de expresiones de arte contemporáneo,
como grandes retrospectivas de artistas nacionales e internacionales, así como
muestras temáticas que revisan las colecciones nacionales que resguarda el
INBAL, fortaleciendo así la vocación de sus recintos y promoviendo la
colaboración interinstitucional.
Ver el siguiente vídeo siguiente de como hacer una exposición artística.
Hacer un dibujo en tu cuaderno el cual crees ,sea tan bueno y especial que pudieras exponer en una exposición artística
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 14/4/2020 GRADO: 7mo – 1ro de secundaria
TEMA:
MAQUETA ARQUITECTÓNICAS
Una
maqueta arquitectónica es una representación física a escala reducida de una
edificación, proyecto urbano, o partes del mismo. La representación puede ser
muy sencilla, de sólo volúmenes, hasta extremadamente detallada, similar a un
diorama. El uso varía desde un modelo rápido, para referencia, exploración o
análisis, hasta modelos muy acabados para la promoción o presentación de
proyectos a clientes, o al público. Además de las maquetas arquitectónicas y
urbanas, se elaboran también maquetas de territorios.
Las
maquetas arquitectónicas, como la mayoría de las representaciones de escala, se
utilizan como una herramienta de comunicación. Una maqueta a escala, debería
entregar un mensaje altamente eficaz. Los arquitectos hacen maquetas a escala
durante el diseño para estudiar algún aspecto de la forma general o la relación
entre edificios u otros aspectos. La maqueta a escala es un arte que requiere
precisión y experiencia.
Los
materiales que se utilizan para hacer las diferentes partes de la maqueta son
muy variados, tales como: madera, corcho, cartón (cartón espuma, etc.),
plástico, acrílico, espuma sintética, vidrio (bases), lija, esponja,
plastilina, metal (chapa).
Además,
existen empresas especializadas en fabricar elementos decorativos a escala para
maquetas, como plantas, muebles, puertas, figuras humanas, vehículos, y muchos
otros más.
Entre los
materiales más utilizados en la creación de las maquetas destaca el papel
batería, aunque puede ser sustituido por cartón, papel ilustración.
Ver el siguiente vídeo en el cual aprenderemos como hacer una maqueta.
DIBUJA EN TU CUADERNO EL PLANO DE TU MAQUETA.
EJEMPLO :
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 14/4/2020
GRADO: 6to A, B, C, D
TEMA: LO POPULAR EN LAS ARTES PLÁSTICAS DOMINICANAS
La trascendencia del arte dominicano del siglo XXI
debe darse sobre la base de una magia analítica y de una categoría poética rica
en oposiciones a los postulados del clasicismo y el romanticismo.
Debemos dejar fuera del cuadro, el espectáculo de la
rigidez formal a cambio de símbolos exegéticos. No se trata de hipótesis sino
más bien del rigor de planteamientos estéticos que superen la frialdad de la
academia.
Es deber de los artistas nacionales comprometidos
aportar lo mejor de sí a este siglo XXI, de pincelar la angustia viva que se
manifiesta a nivel mundial; de nada sirve seguir creando obras que no respondan
a esta convulsión.
El papel de los artistas en el siglo XXI
Está claro que los distintos procesos visuales en las
primeras décadas del siglo XXI tienen sus proyecciones sobre la base de la
experimentación y la subjetividad conceptual; a partir de este estado mental y
de experiencia estética, los códigos y estilos seguirán teniendo una
transparencia análoga con el expresionismo, el impresionismo, la abstracción y
la figuración, elementos considerados modernos y post-vanguardistas, pero
combinados con la tecnología digital y la investigación científica.
Innegablemente, a pesar de que han transcurrido más de
cien años, todavía, el arte dominicano contiene muchas zonas oscuras foráneas,
lo cual no le permite imponer factores subjetivos contundentes y establecer un
fundamento teórico, sensaciones estructurales académicas, con tal de que el
artista sitúe su arte en la categoría del sesgo crucial de la creación.
EN EL SIGUIENTE VÍDEO APRENDEREMOS QUE SON LAS ARTES VISUALES
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 14/3/2020 GRADO: 5TO A,
B, C
TEMA: ESCEFICACIONES
CON TITERES
Más
concretamente podemos establecer que existen tres grandes tipos de títeres:
Títere de
guante. Como su propio nombre indica, es aquel que tiene forma de guante por lo
que el artista que trabaja con él inserta su mano en este para luego moverlo a
su antojo. No obstante, existe una variación y es aquel conjunto de títeres que
se insertan en los dedos.
Títere de
hilos, que se mueve a través de unos hilos que tiene enganchados y en cuyo
final se encuentran las manos del titiritero que es el que los moverá.
DIBUJA EN TU CUADERNO UN TÍTERE
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 14/4/2020 GRADO: 4 TO A,
B, C
TEMA: MÚSICA Y DANZAS DOMINICANA MANGULINA
La Mangulina es un baile folclórico dominicano practicado en la región sur del país. Se ha desplazado hacia los centros urbanos y hoy ocupa, junto al merengue, un lugar de importancia en las fiestas populares.
Muchas de las posiciones sobre el origen del nombre y baile de la Mangulina, se apoyan en argumentos relacionados con el contenido de los versos de las canciones, popularizadas en diferentes épocas, a mediados del siglo pasado
La
Mangulina, generalmente se baila con ropa de estilo campesino. Se cree que su
coreografía inicial es una imitación del vals. Las canciones de la mangulina
son versos en coplas y décimas.
Según
apuntan los coreógrafos, se baila de la siguiente manera: dando vueltas las
parejas enlazadas, primero en una dirección y luego en otra, tras haber dado
tres pasos de descanso con un balanceo, ligera y lateralmente.
El conjunto típico mental lo integran: acordeón, balsié, güira y pandero.
Dibuja estos instrumentos musicales.
MATERIA: EDUCACION ARTISTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 25/3/2020 GRADO: 8vo –2 do de secundaria
TEMA: CONT
---DIFERENCIAS ENTRE TEATRO Y DANZA
Desarrollo
Teatro y
danza son dos artes escénicas en el que los actores o bailarines actúan para un
público en un escenario. Existen mezclas entre ellos: muchos actores también
son bailarines, actuando en obras musicales, mientras que las habilidades para
la actuación son a menudo una parte crítica de la danza. "La danza
contiene elementos teatrales" y el teatro transmite mensajes a través del
"movimiento, así como las palabras", según el crítico John Rockwell
de "The New York Times". Sin embargo, las diferencias entre las dos
formas de arte se encuentran en cosas tales como la narración de cuentos,
guiones y el movimiento contra el diálogo.
FECHA: 2/4/2020 GRADO: 7mo –
1ro de secundaria
TEMA: LA
Existen
diferentes tipos de música, y cada persona puede variar en sus gustos. Los resultados
de las investigaciones muestran que la música es una poderosa forma de
expresión social que puede reforzar los estereotipos y favorece la expresión de
la propia identidad.
Pero más
allá de los gustos musicales, está claro que la sensación de estar escuchando
música de nuestro gusto es única e incluso indescriptible. La música nos hace
sentir sensaciones increíbles y nos hace sentir diferentes emociones: alegría,
éxtasis, felicidad, tristeza, amor.
Los diferentes tipos de música y géneros
musicales:
Los más
clásicos:
Música
clásica
Jazz
Soul
Blues
Conoce los
principales los géneros en español:
Flamenco
Salsa
Reggaeton
Tango
Estilos
más populares:
Pop
House
Rock
Punk
Otros
estilos musicales:
Metal
Country
Funk
Disco
Techno
Rap y Hip Hop
Ska
Reggae
Describe
6 de los tipos de música que más te gusten.
1-
2-
3-
4-
5-
6-
Dibuja
la siguiente imagen en tu cuaderno.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 2/4/2020 GRADO: 6to A, B,
C, D
TEMA: Las DANZA
Desarrollo
¿Qué
es la danza?
La danza
son movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón, acompañados
generalmente de música y que sirven como forma de comunicación o expresión.
Tipos de danza
A continuación,
veamos los diferentes tipos de bailes que existen, desde un estilo más clásico
hasta la revolución que llegó con la danza moderna. Todas ellas expresiones
creativas, artísticas y distintas, para amoldarse a diversas técnicas, gustos y
músicas.
Danza clásica
La danza
clásica también es conocida como ballet, sus movimientos se basan en el control
total y absoluto del cuerpo. Es una práctica y técnica complejas donde es muy
importante interiorizar los pasos, por ello es un tipo de baile que se suele
enseñar desde que eres muy pequeño, cuando aún somos más flexibles. A
diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado.
Danza moderna
Surge como
reacción a las formas y movimientos propios de la danza clásica, es decir,
busca nuevas formas de expresión y movimiento que no estén contempladas en el
ballet. Así se pretende alcanzar una mayor expresión mediante los movimientos,
para la mostrar de forma diferente toda clase de sentimientos e ideas.
Danza contemporánea
La danza
contemporánea es un género de danza que enfatiza el proceso de la composición
sobre la técnica. Nace como una variante o contrapunto de la danza moderna,
pues su pretensión última es lograr la máxima expresión sin cuadricularse en
unos movimientos específicos o reglados. Por tanto, se trata de un tipo de
danza que no se limita a una sola técnica ni forma de baile e incluso introduce
elementos de otras disciplinas.
La danza
contemporánea no se rige por reglas ni técnicas. Más bien es una danza que se
rige por una filosofía que enfatiza la expresión más auténtica en el
movimiento.
De la
danza moderna a la contemporánea
Aparte de
las expresiones de danza popular, que se han mantenido vivas en forma de
tradición, existen otras que son de carácter formal, académico y artístico,
todas ellas con una serie de estilos y técnicas. Por ello muchos confunden la
danza moderna con la contemporánea, pero no es lo mismo, su principal
diferencia fue el momento histórico en el que aparecieron.
Danza popular
En este
caso hablamos de un tipo de baile específico de un lugar concreto, por tanto,
es parte de la cultura del sitio. Así pues, irá acompañado de la música típica
de la región, convirtiéndose en una expresión con la cual se identifican las
personas que allí viven, siendo parte de su idiosincrasia.
Danzas
urbanas
Se trata
de un tipo de baile que se empezó a desarrollar en la década de los 60 y que
tiene diferentes expresiones artísticas y géneros según su música y momento
histórico. Se trata de todo un conjunto de danzas que surgieron en la calle,
por eso se les conoce como street dance.
De este movimiento surgen estilos como el: Hip Hop, Funk, Break Dance.
Dibuja y el tipo de danza que te gusta en tu cuaderno.
ver este vídeo de como dibujar una pareja de baile.
MATERIA:
EDUCACION ARTISTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 2/4/2020 GRADO: 5TO A, B, C
TEMA:
CONT -- ESCENIFICACIONES FOLCLORICAS
Desarrollo
El folclore dominicano se vive a través de su artesanía, su música, su colorido y
su gente. Sin embargo, el más enriquecedor y popular, la expresión del pueblo
dominicano es el merengue, el ritmo con más trascendencia que, generación tras
generación, ha crecido y ha vivido una importante evolución musical. El pueblo
dominicano se distingue porque vive día a día al compás de su música. La
pintura y escultura dominicana empezaron su desarrollo con la emigración de
artistas e intelectuales españoles que huyendo de la guerra civil española se
establecieron en nuestro país
CLASIFICACIÓN
DE LAS EXPRESIONES FOLCLÓRICAS DOMINICANAS
Expresiones folclóricas Rituales:
son aquellas que están asociadas a una manifestación religiosa. Ej.: Agrupación
de Gagá.
Expresiones folclóricas de Trabajo:
Son aquellas que están relacionadas a labores fundamentalmente agrícolas, ej.:
canto de Hacha, la Maboba y Pasapié.
Expresiones folclóricas de Carnaval:
son las expresiones que están relacionadas con las festividades carnavalescas
que se celebran en fiestas patrióticas, ej.: el Gagá, el baile del Caimán, el
baile de la Cinta etc.
Expresiones folclóricas festivas:
son las que no tienen una fecha fija para su ejecución, ej.: Merengue, la
Mangulina, Carabiné.
CLASIFICACIÓN
DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALES DEL FOLCLORE DOMINICANO.
Los
instrumentos musicales se clasifican de acuerdo a la forma en que producen el
sonido en y esta es idéntica a la calificación de los instrumentos en sentido
general:
Membranòfonos:
Son los que
producen sonidos a través de las vibraciones de las membranas, Ej.: tambora,
Congo, Balcié, Pandero, etc.
Cordòfonos: son los que producen sonidos a
través de las cuerdas, ej.: bandurria, guitarra, el tres, el cuatro, gayumba,
quinto, requinto, etc.
Idiòfonos:
Son los
instrumentos que producen sonidos a través de choques, sacudimientos o
frotamientos, ej.: maraca, las canoítas o las claves de los congós, la clave,
triangulo, güira, el Cha-cha etc.
Aerófonos:
son las que
producen sonidos a través del aire, ej.: el Lambí (caracol) y/o Fututos, la
Flauta, etc.
Dibuja en tu cuaderno un istrumento de membranòfonos o de cordofonos .
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 3/4/2020 GRADO: 4TO A, B,
C
TEMA:
CONT -- BANDAS SONORAS
Desarrollo
“Desde el
origen de la idea del cine como espectáculo, los creadores vieron que la pura
imagen no era suficiente, que ese lenguaje terminaría por ser audiovisual”
declaró, Frenando “El More” Moreno, cronista de festivales, crítico de cine y
locutor del programa de radio El Cine Y…, una hora semanal de análisis y
apreciación de una banda sonora específica.
Desde su
nacimiento a finales del siglo XIX, el cine fue concebido musicalizado. A lo
largo de sus primeras décadas, esta unión se hizo posible por medio de música
en vivo durante las proyecciones. La presencia de la música en el cine, con el
tiempo y los avances tecnológicos ha transmutado en la banda sonora y el score.
¿Qué es
entre el score?
El score
es la partitura compuesta por el músico para acompañar la película, mientras
—hoy en día— se entiende a la banda sonora como la recopilación editada de las
piezas que puedan existir previamente y sean parte de la propia cinta (se
conoce esto último también como supervisor No necesariamente.
La música
incidental (comúnmente llamada score en inglés) consiste en las composiciones
que realzan y complementan la mayoría de las escenas en el filme como música de
fondo, por lo general compuestas por músicos especializados en este tipo de
obras.
MATERIA: EDUCACIÓN
ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN
RIVAS
TEMA: LA DANZA TEATRO
Desarrollo
¿ Que es la danza teatro?
La danza de teatro
corresponde a la danza que emplea fuertemente elementos expresivos del teatro.
La danza de teatro comenzó a ser difundida más amplia mente por la compañía
alemana Tantearte de Pina Bausch, la que sirvió de inspiración para el
desarrollo del teatro físico contemporáneo.
Es una forma de
expresión humana que se fundamenta en el movimiento corporal a ritmo de
impulsos internos (respiración, latidos) o externos (sonidos, música) con
propósitos de órdenes filosóficos-recreativos o artísticos.
Su origen se remonta
a los albores de las civilizaciones, cuando los hombres, buscando los favores
de la naturaleza o las respuestas a sus enigmas, empezaron a recrear la
realidad a partir de sus necesidades, en rituales mágico-religiosos.
La comunicación de
físico, intelecto y mística que implica la práctica de esta actividad, la han
hecho compañera del hombre a lo largo de toda su historia, constituyendo para
él uno de los más poderosos aspectos de la vida: en el intercambio social y la relación,
como ejercicio físico, terapia psicológica, en cultos religiosos, como parte de
las tradiciones culturales y en su forma artística mediante la cual ha
manifestado sus celebraciones, sus dolores, sus críticas, en fin, su visión de
la existencia.
Es así como la danza,
incorpora a tantos niveles de la sociedad contemporánea, se hace objeto de la
demanda de grupos humanos y llega a establecerse como un oficio representativo
en la colectividad humana.
Principios en que se
fundamenta la danza.
Consiste la danza en
una coordinación estética de movimientos corporales.
La Danza: Es una
creación del ser humano que en su evolución va unida a la historia de la
humanidad y como parte de la cultura es un aspecto más de las necesidades
humanas que desarrolla la sociedad y contribuye, a la vez, a la formación del
hombre integral.
Ver este video de danza teatro
DIBUJA A LÁPIZ LA SIGUIENTE IMAGEN
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA: KAREN RIVAS
FECHA: 26/3/2020 GRADO: 7mo
– 1ro A,B,C. de secundaria
TEMA: MÚSICA POPULAR CARIBEÑA
Desarrollo
¿ Que es la música popular caribeña caribeña? La música caribeña es
la unión de varios estilos musicales, cantos y danzas de América Central y del
Caribe.
Los ritmos caribeños
surgieron de la unión de ritmos europeos, africanos y nativos en distintas
zonas, como parte del mestizaje americano. Estos ritmos son los pilares de lo
que se conoce como ritmos latinos. Se caracterizan por el uso de la percusión e
instrumentos de viento. La música caribeña está presente en todo el continente
latinoamericano.
La salsa. Sin duda la
más popular y extendida. Utiliza como base el mismo patrón rítmico del son
cubano y su melodía presenta una mezcla de rasgos melódicos latinoamericanos
con rasgos melódicos del jazz convencional y del folclor latino.
En su interpretación
se usan instrumentos afro latinoamericanos como: pailas o timbales de baile,
bongo, güiro cubano, cencerro, dos maracas, el instrumento afrolatino conga, y
los instrumentos piano, contrabajo, trompeta y trombón.
El calipso. Llamado
también Calipso, es un ritmo afrocaribeño originario de Trinidad y Tobago, muy
popular en las islas del Caribe que usa como instrumento principal unos
tambores metálicos, fabricados a partir de barriles de petróleo reciclados
La rumba. Es
considerada tanto una familia de ritmos musicales como un estilo de danza de la
isla de Cuba. Sus raíces las encontramos en el continente africano.
La cumbia. Ritmo y
baile folclórico autóctono de la Costa Caribe de Colombia con multitud de
variantes con carácter igualmente folclórico. Los instrumentos más utilizados
en su interpretación son la flauta de millo, la gaita macho, la gaita hembra,
las maracas, el tambor alegre, el tambor llamador y la tambora.
El merengue. En sus
orígenes era una danza festiva, para divertirse, por lo que se extendió
rápidamente entre las fiestas de los distintos pueblos caribeños. Los instrumentos
más utilizados en su interpretación son la tambora, guïra, acordeón en el
perico ripiao, Saxofón, Piano, Trompeta.
Otros ritmos y bailes
propios del Caribe son: el cha-cha-cha, el bolero, el son, el mambo, el ska, el
Reggaetón, la Lambada, el dub, el reggae, la guaracha, la guajira, la pachanga,
la bachata, la Champeta, el timba, el zouk, la kompa, el vallenato o el porro.
Dibuja 6 instrumentos de los que están en esta imagen a tu elección
FECHA: 26/3/2020 GRADO: 6to A,B,C,D,
TEMA: DANZA POPULAR
¿Qué es
la danza popular?
La danza es la coordinación de movimiento y forma
estética.
El baile popular supone uno de los hilos conductores más
poderosos para las relaciones humanas de carácter colectivo. Se detectan además
en los bailes populares una serie de valores universales que se pueden rastrear
en todas las culturas de los pueblos.
La danza popular es aquella que un pueblo asume como
propia y está cor-relacionada con su historia, política, economía y cultura sin
dejar de lado las habilidades y destrezas psicomotoras. Ésto último le da
oportunidad al baile de ser más rico y vistoso, especialmente creativo.
DIBUJA EN TU CUADERNO ESTA IMAGEN DE DANZA
NOTA: Recuerden hacerlo a su manera, pero siempre tratar de hacer lo mejor posible.
MATERIA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA MAESTRA:
KAREN RIVAS
FECHA: 26/3/2020 GRADO: 5TO, A,B,C,
TEMA: ESPECIFICACIONES FOLCLÓRICAS
ESCRIBE EN TU CUADERNO.
ESCRIBE EN TU CUADERNO.
Desarrollo
¿Qué es folclore?
Se
denomina Folclore al conjunto de tradiciones y costumbres relativas a la
cultura de un pueblo tales como las manifestaciones artísticas, culturales,
sociales o del conocimiento popular. De alguna manera, estas tradiciones
nacieron de manera espontánea en el pasado y han llegado a nosotros gracias a
su transmisión de generación tras generación.
El folclore no se nutre sólo de esa herencia de padres a hijos que con el paso del
tiempo va cambiando y evolucionando, además, de todas las experiencias
acumuladas por las diferentes tradiciones que proceden de distintos lugares
geográficos e históricos.
El folclore es distintivo y propio de cada pueblo. En tiempos de globalizacion , la cultura
tiende a homogeneizarse y los países dominantes imponen sus creaciones. Por eso
el folclore supone un ámbito de resistencia para la identidad.
El folclore de un
pueblo es sumamente importante para entender la forma en la que éste vive, su
historia, cómo fue surgiendo la estructura social que hoy podemos conocer, sin embargo,
es importante señalar que éste no debería contemplar el maltrato de ningún
tipo. Por tanto, así como las jineteadas en ciertos países latinoamericanos y
las corridas de toros en España y otros países de habla hispana, deberían
suprimirse, también deberían hacerlo todas aquellas actitudes de los pueblos en
defensa de sus tradiciones si éstas fueran en contra de la solidaridad y la
integración social.
VER EL SIGUIENTE VÍDEODibuja y colorea lo que se ve en la siguiente imagen.
FECHA: 26/3/2020 GRADO: 4TO A,B,C
TEMA:
BANDAS SONORAS
ESCRIBE EN TU CUADERNO.
DESARROLLO
¿Qué son las bandas sonoras?
La bandas sonoras son las parte de sonido que completa el resultado de la edición de
diferentes pistas de sonido, ya sean diálogos, sonidos y música de un trabajo o
acompañamiento paralelo. Normalmente, y con raras excepciones, el término se
refiere solo a la música de una película o la comercialización de los temas
musicales de una obra como vivideros, programas de televisión y radio.}
La
inclusión de bandas sonoras en películas fue una tarea que llevó tiempo. Los
primeros pasos para lograr esto fue intentar que un proyector y un fotógrafo trabajen juntos. Cuando el cine estaba en silencio, en muchas ocasiones había
acompañamiento musical.
ESCUCHA EL SIGUIENTE INSTRUMENTAL DE UNA BANDA SONORA.
DIBUJA EL INSTRUMENTO DE BANDA QUE MAS TE GUSTE EN TU CUADERNO
Hola profe como esta una pragunta cuando usted ba aponer más clase?
ResponderEliminarHOLA, TODOS LOS LUNES, EDUCACIÓN ARTÍSTICA SOLO ES UNA VEZ POR SEMANA.
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